Que cela ait fonctionné pour vous ou non, le neuvième film de Quentin Tarantino, Il était une fois à ... Hollywood , a beaucoup à déballer. Sans surprise pour un film de Tarantino, l'un des éléments les plus impressionnants est l'utilisation de la musique source, une bande-son parsemée de mélodies du milieu de Los Angeles 1969 et alentour.
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Les playlists de Tarantino ont toujours eu raison - Chiens de réservoir a été le premier film que j'ai vu qui m'a immédiatement amené à chercher la bande originale dans un magasin local, seulement pour devoir la commander aux États-Unis et attendre des mois. Bientôt cela changerait bien sûr, et Pulp Fiction est devenu beaucoup plus connu à travers le CD que par le film lui-même, avec le mélange de succès pop ésotériques et de dialogues farfelus qui ont formé une sorte de version radiophonique du film, évocatrice de ce qui se passait à l'écran.
Au fil de sa carrière, un grand nombre de ses chansons ont été suivies directement à partir de films auxquels il fait référence visuellement - regardez Kill Bill pour un excellent exemple de cela, bien que Django et Huit haineux sont également des pierres de touche. On suppose que les gouttes d'aiguille dans les films de Tarantino proviennent de sa propre collection, ou du moins proviennent de disques originaux plutôt que d'enregistrements maîtres - les clics et les éclats du vinyle évocateurs lorsqu'il les entend lors de l'écriture. C’est certes une affectation, tout comme sa présentation 70 mm, mais c’est certainement une certaine image de marque analogique pour le réalisateur mercurial.
À bien des égards, le film le plus proche de Il était une fois à ... Hollywood à la fois thématiquement et musicalement est Jackie Brown . Jackie y écoute des chansons de l'époque, son obsession saine pour les Delfonics vintage et oubliés résumant parfaitement une femme dont le temps passe peut-être pour elle. Dans le 1969 de Hollywood ces chansons étaient encore fraîches, favorisant souvent un sentiment d'optimisme qui était indicatif d'une époque qui gardait toujours l'espoir que le monde allait être un meilleur endroit, que les gentils gagneraient et que les auto-stoppeurs pourraient être pris en charge en toute impunité.
Pourtant ce qui définit Hollywood à part la façon dont la musique est utilisée. Parfois, des morceaux complets sont lus, mais il s’agit souvent de morceaux de morceaux, de fragments que l’on entend pendant le trajet aller-retour depuis Cielo Drive. Là où auparavant les airs étaient souvent du «crate diggers» - des chansons qui ont peut-être disparu de la conscience populaire et mûres pour être redécouvertes - ici Tarantino et son directeur musical Mary Ramos n'ont pas peur de jouer les tubes. Si les pistes précédentes étaient de premier ordre pour les stations alternatives ou collégiales, avec Hollywood nous avons enfin droit à des émissions de 100 000 watts de la radio commerciale californienne, jouant des chansons qui sonnent bien non à cause de leur obscurité ni rejetées à cause de leur popularité.
Prenez la scène où Sharon taquine Jay à propos de la danse sur un disque, où elle dira à son ami Jim Morrison qu'il cherche quelque chose de si positivement pop. Voici le clivage central - les symphonies d'adolescents jouant à la radio par rapport aux airs plus majestueux, conflictuels ou minimalistes qui caractériseraient bientôt le son californien. C’est une terre de pierres et de diamants qui ne creuse pas sur les Zappas et Beefhearts, traînant au Playboy Mansion plutôt que de traîner le whisky pour quelle que soit la dernière mode. C'est ce fil anti-hipster, avec Sharon qui n'a pas peur d'embrasser le populaire et de lever les bras pour danser avec abandon qui donne au film son rayonnement le plus contagieux, et donne au film une chaleur et un sentiment de bonheur qui accentuent davantage le contraste entre les faits historiques. et chronologie diégétique. Dans cette chronologie hollywoodienne, les chansons clés mineures sont rares, et il y a toujours la possibilité de se prélasser au soleil chaud ou de porter des écouteurs tout en flottant dans la piscine, en creusant les airs avec peu de soin dans le monde.
Voici quelques-unes des chansons clés du film, un mélange d'obscur et de méga populaire qui forment la bande originale et le fondement narratif de la vie Il était une fois à ... Hollywood . Nous avons également inclus une liste complète des chansons répertoriées dans le générique pour que vous puissiez explorer davantage le paysage musical du film de Tarantino. Il y a tellement de pistes à explorer, des partitions aux westerns spaghetti, de brefs extraits de chansons pop, même une publicité pour la télévision Homme chauve-souris , mais voici quelques-unes des chansons clés qui contribuent à rehausser le récit et à préparer le terrain pour ce qui se passe dans la version de Quentin de la Californie de la fin des années 60.
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Bernard Hermann - Rideau déchiré (Score inutilisé)
Former une trilogie lâche avec Django Unchained et Bâtards sans gloire , Hollywood joue rapidement et librement avec l'histoire, créant une chronologie différente qui joue constamment avec ce qui s'est passé en dehors du film et ce qui se passe pour la vie des personnages dans le film. Dans l’un des clins d'œil les plus subtils à cette chronologie alternative se trouvent les différentes pièces de la partition de Bernard Hermann à Rideau déchiré . Collaborateur de longue date avec Alfred Hitchcock, les deux avaient eu un énorme succès avec des gens comme Psycho et vertige . Hitchcock voulait une partition pop, Hermann a plutôt fourni cette prise orchestrale de mauvaise humeur, ce qui a entraîné une rupture qui ne guérira jamais entre les deux géants de la création. John Addison a réalisé les désirs de Hitchcock et a fourni une partition aussi oubliable que ce film, révélatrice de la descente créative de ce cinéaste au talent titanesque. Maintenant avec Hollywood , la partition effrayante et rejetée par Hermann a une nouvelle et bienvenue renaissance.
Rick Dalton (alias Leonardo DiCaprio) - «Green Door» (lien vers la version par Jim Lowe)
Écrit par Bob Davie et Marvin Moore, ce hit pour piano schmaltzy, interprété par Jim Lowe, est devenu numéro un en novembre 1956, faisant tomber «Love Me Tender» d’Elvis de la première place. Comme chanté par Rick dans le cadre de la séquence «Hullabaloo», c'est le genre de non-sens déphasé qui semblait plus anodin que sinistre. David Berg, un leader de la secte de la fin des années 60, semblable à Manson, citait finalement la chanson dans des lettres concernant son propre équipage, qu'il renommerait également «The Family». De la même manière que l'hystérie herméneutique de Manson considérait «Helter Skelter» comme un soulèvement racial, Berg pensait que la porte verte faisait référence à un portail vers l'enfer. En 1972, le film pornographique Derrière la porte verte mettant en vedette Marilyn Chambers est devenu un succès retentissant, suscitant le genre de battage que Sharon remarque dès la première alors qu'ils entrent dans le restaurant mexicain dans la nuit du 8 août 1969.
Robert Goulet - «MacArthur Park»
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Augmentant encore plus le facteur schmaltz, cette chanson sur la perte tragique de pâtisserie lors d'une averse, c'était exactement le genre de succès de la culture de masse qui était loin de l'idiome hippie. Écrit à l'origine par Jimmy Webb dans le cadre d'une cantate pour l'Association (dont le joyau jangly de 1968 Temps pour vivre apparaît dans le film), il serait enregistré de manière exagérée par la star de cinéma Richard Harris, puis traité pour toute sa valeur mélancolique par le lézard lounge Goulet. Donna Summer le revisiterait finalement à la mode Disco Moroder-isized, mais pour un pur excès, on ne peut pas battre la version criarde de Goulet.
